RECENZIJA: Oppenheimer (2023)

Christopher Nolan je bez sumnje najuspješniji i najutjecajniji filmaš našeg doba. U posljednjih četvrt stoljeća ne samo da je dostavio niz iznimno popularnih blockbuster filmova koji su dominirali globalom kino blagajnom, već je i osvojio i zadržao naklonost kritičara kao jedan od rijetkih redatelja 21. stoljeća koji je zadržao status pravog filmskog *autora*. Za razliku od mnogih svojih suvremenika koji su odbačeni kao puki zanatlije ili plaćenici studija, Nolan je njegovao reputaciju ozbiljnog umjetnika koji radi unutar komercijalne mainstream produkcije. Taj uspjeh je, pak, stvorio kult oko njega, čiji su pristaše, kao što nedavna galama oko njegove nadolazeće adaptacije Odiseje pokazuje, trošili neumjerene količine vremena i energije uvjeravajući svakoga tko je htio slušati da Nolan nije sposoban učiniti ništa krivo. Ipak, bez sumnje najveći trijumf i kruna postignuća Nolanove karijere do sada bio je njegov biografski film *Oppenheimer* iz 2023. godine, koji je ne samo postao jedan od velikih ljetnih blockbuster filmova—nevjerojatan uspjeh za povijesnu dramu od tri sata—već je i osvojio niz Oscara, uključujući najbolji film i najboljeg redatelja, učvrstivši Nolanovo mjesto u panteonu velikana filma.

Film je temeljen na knjizi Američki Prometheus, dobitnici Pulitzerove nagrade iz 2005. godine koju su napisali Kai Bird i Martin J. Sherwin, posvećenoj životu J. Roberta Oppenheimera, američkog nuklearnog fizičara najpoznatijeg po svom radu na Projektu Manhattan tijekom Drugog svjetskog rata, što će mu kasnije priskrbiti kontroverzni nadimak “otac atomske bombe”. Biografija se široko smatra definitivnim prikazom Oppenheimerova života, a Nolanova adaptacija uvelike crpi iz njezinog detaljnog istraživanja i nijansiranog prikaza genijalnog, ali duboko nesavršenog čovjeka.

Nolanov scenarij zauzima nelinearni pristup Oppenheimerovom životu, skačući između različitih vremenskih razdoblja s redateljevim karakterističnim nehajem prema konvencionalnoj kronologiji. Međutim, zaplet uglavnom počinje s Oppenheimerom (Cillian Murphy), koji studira fiziku na najprestižnijim europskim sveučilištima—među njima Cambridge i Göttingen—gdje dolazi pod utjecaj pionira kvantne fizike. Po povratku u Ameriku 1930-ih, predavao je fiziku na Caltechu i Berkeleyju, etablirajući se kao jedan od vodećih teoretičara fizike svoje generacije. Oppenheimer, iako sam ne politički angažiran, zastupao je ljevičarska uvjerenja, a mnogi njegovi kolege i poznanici bili su čak i nositelji iskaznica Komunističke partije. Među njima su buili njegov brat Frank Dylan Arnold), djevojka Jean Tatlock (koja glumi Florence Pugh) i Kitty (koja glumi Emily Blunt), druga djevojka koju će na kraju oženiti i s kojom će osnovati obitelj. Te asocijacije kasnije će postati problematične kada se Hladni rat izazove antikomunističku paranoju u SAD.

Oppenheimerov rad na teoretskoj fizici, koji je uključivao projekte cijepanja atoma, bio je zasjenjen nacističkom invazijom na Poljsku u rujnu 1939., koja je započela Drugi svjetski rat i navela mnoge istaknute fizičare, uključujući Alberta Einsteina (Tom Conti), da upozore američku vladu na mogućnost da Hitler razvije nuklearno oružje. Američka je vlada ozbiljno shvatila to upozorenje i započela tajni, skup i ambiciozan program razvoja vlastitog oružja prije nego što Nijemci postignu isto. Oppenheimer je na kraju postavljen na čelo projekta, koji će nadzirati uz pomoć generala američke vojske Leslieja Grovesa (Matt Damon), graditelja Pentagona, koji je izgradio malo tajno naselje za smještaj znanstvenika i laboratorija u Los Alamosu u Novom Meksiku. Iako je Njemačka kapitulirala u svibnju 1945. prije nego što je prva bomba izgrađena, Japan se još uvijek bori. U srpnju 1945. Oppenheimer je nadzire prvi test bombe u pustinji kod Alamogorda. Dvije nove bombe su naknadno izgrađene i isporučene američkoj vojsci, koja ih je ispustila na Hirošimu i Nagasaki u kolovozu 1945., dovodeći do japanske kapitulacije i kraja rata.

Nakon bombardiranja, Oppenheimer je bio na zenitu svoje popularnosti, slavljen kao znanstveni genij i ratni heroj koji je doveo najrazorniji sukob u povijesti do njegova kraja. Iako Oppenheimer nikad javno nije pokajao svoju ulogu u atomskim bombardiranjima, kako se Hladni rat razvijao, postajao je sve zabrinutiji da to možda neće biti posljednji put da će se atomsko oružje upotrijebiti. Otvoreno se suprotstavljao razvoju još moćnije hidrogenske bombe, projektu koji je zagovarao njegov kolega Edward Teller (Benny Safdie). 1949. godine taj mu je stav stvorio duboki sukob s Lewisom Straussom (Robert Downey Jr.), vodom Komisije za atomsku energiju. Strauss, kojega je Oppenheimer javno ponizio na kongresnim saslušanjima, osvetio se 1954. godine organizirajući uskraćivanje Oppenheimerove sigurnosne dozvole, čime je okončao njegov utjecaj na američku nuklearnu politiku. Četiri godine kasnije, samom Straussu je uskraćena pozicija američkog tajnika za trgovinu kada je znanstvena zajednica, koja je prezirala zlostavljanje Oppenheimera, okrenula američku javnost i senatore protiv njegova potvrđivanja.

Nolana je za film nadahnulo sjećanje na odrastanje u ranim 1980-im u Engleskoj, kada je Hladni rat ponovno eskalirao i strah od nuklearnog apokalipse teško je ležao na mnogim umovima. Počeo je razmatrati film temeljen na *Američkom Prometeju* u kasnim 2010-im, ali njegova je tema postala zastrašujuće još relevantnija s izbijanjem Rusko-ukrajinskog rata 2022. godine i još više s kasnijim sukobima koji su, na ovaj ili onaj način, uključivali nuklearne sile i ponovno podigli sablast atomskog ratovanja.

Oppenheimer je bio prvi film koji je Nolan snimio od 2000. godine za studio koji nije Warner Bros.; to je bilo djelomice zbog njegova nezadovoljstva načinom na koji je Warner distribuirao njegov prethodni film Tenet, koji je, ironično, također spominjao Oppenheimera u svom dijalogu. Oppenheimer je bio primjetan po tome što je izašao u isto vrijeme kao i Barbie, blockbuster koji je Warner Bros. intenzivno promovirao, a mnogi su spekulirali da je Warner namjerno zakazao Barbie da uništi Nolanove izglede na blagajni kao osvetu za njegov odlazak Universalu. Oba filma iznenadujuće su dobro prošla, često služeći kao jedan od vrlo rijetkih i uspješnih primjera kontra-programiranja i stvorivši fenomen nazvan “Barbenheimer” – publiku koja odlazi gledati oba filma kao vrstu kulturnog događaja.

Nolan u Oppenheimeru još jednom demonstrira vrhunske redateljske vještine tijekom cijelog filma. Publika može, unatoč nelinearnoj strukturi, lako razlikovati različita vremenska razdoblja i shvatiti što se događa kroz suptilne vizualne znakove i pomake u paleti boja. Tri sata trajanja filma prolaze iznimno brzo, čak i za publike koje nisu navikle na epske biografije, zahvaljujući Nolanovom propulzivnom montažnom ritmu i neumolivom momentumu filma.

Nolanu također izrazito pomaže njegova glumačka postava, ponajprije Cillian Murphy, koji je bio jedan od njegovih dugogodišnjih suradnika još od Batman: Početak. Murphy uspješno utjelovljuje Oppenheimera u različitim fazama njegova života, od ambicioznog mladog fizičara do progonjenog starijeg državnika znanosti. Murphy, koji je zasluženo osvojio Akademijsku nagradu za najboljeg glumca za svoj trud, čak se podvrgnuo posebnoj dijeti kako bi utjelovio izgao izgled pravog Oppenheimera, demonstrirajući predanost fizičkoj transformaciji koja je postala očekivana u prestižnim biografskim filmovima.

Iako je i Robert Downey Jr. osvojio Oscara, u njegovom slučaju za najboljeg sporednog glumca, njegova izvedba, primjetna po tome što je jedan od najstarijih likova u njegovoj karijeri, lako je zasjenjena Murphyjevim dominirajućim ostvarenjem. Ostatak glumačke postave također je dobar, iako su u mnogim slučajevima veliki glumci svedeni na ono što se svodi na slavne cameo uloge, igrajući velike povijesne ličnosti koje se pojave u jednoj ili dvije scene prije nego što nestanu. To uključuje Matta Damona, koji djeluje prilično blijedo u usporedbi s Paulom Newmanom koji je 1989. godine tumačio isti lik Leslieja Grovesa u filmu Fat Man and Little Boy.

Film također profitira na glazbenoj skladbi Ludwiga Göranssona, koja stvara atmosferu nadolazeće strave i, unatoč tome što je uglavnom elektronička, ne zvuči anakronistički unatoč tome što se znatno razlikuje od orkestralne glazbe tipične za sredinu 20. stoljeća.

Ipak, postoji ozbiljna mana filma koja ga lišava pravog veličanstva. Jedna je konceptualna—Nolan se fokusira u prvom dijelu na Oppenheimerov put prema rukovođenju Projekta Manhattan, a drugi se pretvara u ponekad beznačajnu sudsku dramu, reducirajući Oppenheimerove duboke etičke dileme u sukob između dva tvrdoglava čovjeka. Složenost unutarnje borbe znanstvenika spljoštena je u proceduralnu bitku oko sigurnosnih dozvola.

Drugi je problem Nolanovo povremeno podleganje arthouse pretencioznosti. To se odražava u raznim scenama snimljenim u crno-bijeloj tehnici—iako ponekad pomažu razlikovati različita razdoblja—i djelomice u Oppenheimerovim vizijama buduće nuklearne apokalipse. Ali najgrči primjer je scena u kojoj Oppenheimer vidi svoje prijatelje i poznanike kako se užasno spaljuju na način na koji su žrtve iz Hirošime i Nagasakija bile, sugerirajući da je ipak imao dvojbi o svojoj ulozi u bombardiranju, unatoč povijesnim dokazima suprotnoga. To je teška vizualna metafora koja potkopava inače suzdržani pristup filma.

Drugi, možda manje opravdan, spust u pretencioznost jest prikaz Oppenheimera nagog i njegove supruge koja zamišlja seks s Jean Tatlock tijekom saslušanja 1954. godine. To izgleda prenaglašeno melodramatično i previše simbolički, a može se interpretirati kao način da Nolan pokaže koliko je bio nedodirljiv u tom trenutku svoje karijere, uvjerivši Universal da pošalje film u kina s R-rejtingom bez straha, jer je njegovo ime bilo pridruženo projektu.

Unatoč tim manama, Oppenheimer ostaje impresivno postignuće i svjedočanstvo Nolanovog jedinstvenog položaja u suvremenom filmu. To je film koji uspijeva biti i komercijalni blockbuster i ozbiljna povijesna drama, ravnoteža koju bi malo koji filmski stvaratelj mogao postići. Ipak, čovjek ne može a da ne osjeti da bi s malo manje teške ruke i više povjerenja u inteligenciju publike, mogao biti remek-djelo umjesto da bude samo vrlo dobar film.

OPPENHEIMER

uloge: Cillian Murphy, Emily Blunt, Matt Damon, Robert Downey, Jr., Florence Pugh

scenarij: Christopher Nolan

režija: Christopher Nolan

proizvodnja: Universal, SAD, 2023.

trajanje: 180 ‘

**OCJENA: 7/10**

RECENZIJA: Barbie (2023)

.

Je li paradigma hollywoodskih blockbustera iz razdoblja prije COVID-a spašena od izumiranja zahvaljujući fenomenu zvanom „Barbenheimer” ili joj je samo odgođeno izvršenje smrtne presude, je još uvijek predmet rasprave. Ipak, ono što se dogodilo u kinima diljem svijeta u srpnju 2023. bilo je doista neobično: jedan studio objavljuje dva radikalno različita filma istovremeno, no umjesto da su međusobno kanibalizirali zaradu, Barbie i Oppenheimer postali su jedan od rijetkih uspješnih primjera kontraprogramiranja – čak i dvostruke projekcije. To je značajan uspjeh s obzirom na poprilično dugo trajanje oba filma. Od njih dvoje, Barbie je konvencionalniji hollywoodski blockbuster: obiteljska fantastična satira temeljena na popularnoj liniji igračaka. Ono što njezino postojanje čini još iznenađujućim jest činjenica da su kreativne snage iza filma – redateljica Greta Gerwig i njezin suprug i koscenarist Noah Baumbach – dotad bili poznati uglavnom po niskobudžetnim nezavisnim art filmovima poput Lady Bird i Priče o braku.

Film, kojemu naraciju pruža Helen Mirren, započinje u Barbielandu, univerzumu stvorenom maštom djevojčica koje se igraju s Barbie lutkama. Protagonistica, poznata kao “Stereotipična Barbie” (Margot Robbie), tamo živi s brojnim varijantama sebe same, raznim Kenovima i raznim Barbie lutkama koje je Mattel povukao iz prodaje zbog njihovih nekonvencionalnih osobina. Barbieland je matrijarhalno društvo u kojem žene – ili “Barbie” – drže sve pozicije moći i odgovornosti, dok muškarci – ili “Kenovi” – poput “Plažnog Kena” (Ryan Gosling) jednostavno besposličare, iako Plažni Ken tajno želi bliži odnos s Barbie.

Jednog dana, protagonistica iznenada počinje patiti od misli o smrti, celulita, lošeg zadaha i ravnih stopala. Jedina osoba koja razumije što se događa je “Čudna Barbie” (Kate McKinnon), koja identificira izvor problema u djetetu koje se igra njezinom lutkom u stvarnom svijetu. Kako bi se izliječila, Barbie mora pronaći to dijete i otputovati u stvarni svijet, a Ken joj se pridružuje.

Barbie i Ken stižu na Venice Beach, gdje Barbie pronalazi vlasnicu lutke, Sashu (Arianna Greenblatt), tinejdžericu koja optužuje Barbie da djevojke i žene čini frustriranima zbog nerealnih standarda ljepote. Ispostavlja se da je izvor problema Sashina majka Gloria (America Ferrera), koja je imala mračne misli dok se igrala lutkom. Gloria ipak odlučuje pomoći Barbie i, nakon što joj pomogne pobjeći od Mattelovih direktora koji je žele strpati u kutiju, putuje u Barbieland. Stvari se kompliciraju kada Ken, očaran patrijarhalnom prirodom stvarnog svijeta, odluči preuzeti vlast u Barbielandu, koristeći to što druge Barbie nikada nisu upoznale muško društvo te ih lako manipulria. Barbie stoga mora reprogramirati sve ostale Barbie.

Barbie je najpoznatija lutka na svijetu, a pokušaji da se pretvori u protagonističinu filmskog lika datiraju iz 1980-ih, počevši s legendarnim izraelskim studiom Cannon Films. Ipak, desetljećima ideja nikada nije realizirana, za razliku od serije animiranih dječjih filmova. Stvarni razvoj filma započeo je 2009. godine sklapanjem ugovora između Mattela i Universala, ali projekt je ostao u razvojnom paklu sve dok nije došao u ruke Warner Brosa, a Margot Robbie – vjerojatno najslavnija ženska zvijezda našeg doba – izrazila je interes za glavnu ulogu. S njom u projektu, film je povjeren Gerwig i Baumbachu.

Na strogo površinskoj razini, Barbie izgleda kao tipični ljetni blockbuster: obiteljski spektakl temeljen na dobro poznatom intelektualnom vlasništvu s odanom bazom obožavatelja među djecom i nekim roditeljima. Gerwig, dobivši ogroman budžet, ne libi se to pokazati – prvenstveno kroz vizualno impresivan CGI-potpomognut nadrealizam Barbielanda, obilje jarkih boja, genijalne slike, cool soundtrack i brojne filmofilske reference, od kojih je najupečatljivija uvodna scena koja odaje počast sekvenci “Zora čovječanstva” iz 2001: Odiseje u svemiru.

Robbie je prilično raspoložena u svojoj ulozi, što se ne može reći za Goslinga, koji je opterećen jednodimenzionalnim i loše napisanim likom. Arianna Greenblatt i America Ferrera mnogo su efektnije kao vodiči protagonistice u stvarnom svijetu. Will Ferrell je protraćen kao fiktivni direktor Mattela – scenaristi očito nisu uspjeli pomiriti ideju da ga prikažu kao licemjernog korporativnog polu-zlikovca a da se istovremeno ne zamjere korporativnim sponzorima filma. Rhea Perlman pruža jednu od nezaboravnijih uloga svoje karijere kao duh stvarne kreatorice Barbie, Barbare Handler, koja služi kao mentor protagonistice.

Iako je određeni stupanj feminističkih prizvuka uvijek trebalo očekivati od ovog ženski orijentiranog filma, i iako je takav sadržaj bio gotovo neizbježan u hiperstranačkom, ideološki nabrijanom “woke” Hollywoodu u post-Trumpovoj eri, Barbie ne samo da nosi svoju radikalnu feminističku i lijevo orijentiranu ideologiju na čelu, već je publici servira s potpunim nedostatkom suptilnosti. Teško da postoji načelo suvremenog američkog progresivizma koje likovi, eksplicitno ili implicitno, ne podržavaju. Barbieland je prikazan kao matrijarhalna utopija u kojoj muškarci znaju svoje pravo mjesto kao puki ukras, dok „Girlboss” likovi poput Predsjednice Barbie (Issa Rae, koja očigledno „skida” Kamalu Harris) uspješno vode cijelo jesto. Lik Sashe, koja predstavlja budućnost Amerike, naziva Barbie i druge “umjerenjake” “fašistima”. Uvodna scena prikazuje mlade djevojke kako uništavaju svoje stare lutke-bebe, eksplicitno odbacujući majčinstvo u skladu s radikalnim progresivnim feminizmom i pokretom “childrfree”.

Lik Kena i njemu slični loše su napisani: s jedne strane jadni, bezvrijedni gubitnici koji moraju doći u stvarni patrijarhalni svijet da bi ga doživjeli kao raj, a zatim, unatoč svojoj inferiornosti, nekako zavode sve žene i uspostavljaju patrijarhat u Barbielandu. Mnogi su, ne bez ironije, primijetili da je Barbie zapravo eksplicitnije politički film od Oppenheimera, unatoč tome što se potonji bavi stvarnim pitanjima nuklearnog ratovanja.

Ozbiljan problem Barbie je tempo. Film traje gotovo dva sata, što možda nije prikladno za ciljanu publiku male djece. Velik dio budžeta potrošen je na neviđenu reklamnu kampanju koja se itekako isplatila. Barbie je postigla veliki komercijalni uspjeh, lako nadmašivši Oppenheimera, i sam iznenađujući komercijalni hit. Ipak, kritičari su bili daleko skloniji Nolanovom djelu, što se odrazilo i na njegove oskarovske trijumfe. S obzirom na to da je Barbie duboko manjkav i razočaravajući film, ta je sudbina bila zaslužena.

BARBIE

uloge: Margot Robbie, Ryan Gosling, America Ferrera, Arianna Greenblat, Rhea Perlman, Will Ferrell, Kate McKinnon

scenarij: Greta Gerwig & Noah Baumbach

režija: Greta Gerwig

proizvodnja: Warner Bros., SAD, 2023.

trajanje: 114 min.

OCJENA: 4/10

RECENZIJA: Ubojstvo (Forbrydelsen, sezona 2, 2009)

Ako je prvo desetljeće 21. stoljeća obilježilo početak onoga što danas znamo kao Zlatno doba televizije, onda Forbrydelsen (u Hrvatskoj poznata pod naslovom Ubojstvo) zauzima mjesto među njegovim najznačajnijim europskim stupovima. Ova danska kriminalistička serija ne samo da je pomogla popularizirati estetiku „Nordic Noir”—koja se odlikuje mračnom atmosferom, moralno kompleksnim zapletima i kišom natopljenom fotografijom—nego je i dokazala da televizijski program na jezicima koji nisu engleski može samostalno postići međunarodni uspjeh kod kritike i publike. Sophie Gråbøl u ulozi detektivice Sarah Lund postala je ikonom žanra, pretvorivši glumicu u globalnu zvijezdu i dokazavši da proceduralna serija s ženskom protagonisticom može očarati publiku širom svijeta. Utjecaj serije odjeknuo je cijelom Skandinavijom i šire, rodivši brojne imitatore te uspostavivši predložak za europsku kriminalističku dramu koji traje do danas. Još prije nego što je emitiranje na BBC-u 2011. godine definitivno potvrdilo njenu međunarodnu reputaciju, danska javna televizija DR prepoznala je da ima nešto posebno, naručivši drugu sezonu koja je premijerno prikazana 2009. godine.

Druga sezona zatiče Lund u profesionalnom izgnanstvu, degradiranu na carinski položaj u južnoj Danskoj nakon događaja iz prethodne sezone. Ova dosadna egzistencija razbija se otkrićem ubijene žene, a vojne značke ostavljene na mjestu zločina upućuju na mračno poglavlje u nedavnoj danskoj povijesti: malu vojnu jedinicu koja je služila u Afganistanu kao dio mirovne misije NATO-a, a navodno je umiješana u zločine protiv lokalnog civilnog stanovništva. Kada je pronađen mrtav još jedan vojnik iz te jedinice, Lund je iznenada vraćena u istražiteljski posao, utrkujući se s vremenom kako bi spriječila daljnja ubojstva. Njezin primarni osumnjičeni je Jens Peter Raben (Ken Vedsegaard), veteran koji je nedavno pobjegao iz psihijatrijske bolnice. Lund dobiva partnera u obliku Ulrika Strangea (Mikael Birkkjær), kolege čije metode i temperament donose svježu dinamiku. U međuvremenu, u Kopenhagenu se odvijaju političke intrige, gdje novoimenovani ministar pravosuđa Thomas Buch (Nicolas Bro, ovdje potpisan kao Nicolas Burch) otkriva da je njegova vlada spremna žrtvovati građanske slobode—gurajući drakonsku antiterorističke zakone kako bi udovoljila desnoj Narodnoj stranci—dok istovremeno skriva neugodne istine o danskom vojnom angažmanu. Istraga postaje sve zamršenija zbog intervencije PET-a (danske sigurnosne službe), no Lund ostaje odlučna otkriti istinu, čak i ako to znači putovanje u ratom razoreni Afganistan.

Kreator serije Søren Sveistrup očito je naučio iz kritika upućenih prvoj sezoni. Dok je izvornih dvadeset epizoda povremeno frustriralo gledatelje svojom proliferacijom lažnih tragova i umjetnih cliffhangera dizajniranih da održe napetost, druga sezona usvaja mršaviji, fokusiraniji pristup. Svedena na deset epizoda, naracija održava tempo bez pribjegavanja istim manipulativnim taktikama. Radnja djeluje racionaliziranom, pri čemu svaka epizoda značajno pridonosi sveobuhvatnoj misteriji umjesto da samo ubija vrijeme.

Najupečatljivija evolucija leži u političkoj dimenziji serije. Sjenka Rata protiv terora dominira ovim nastavkom, odražavajući neproporcionalni danski doprinos afganistanskoj kampanji u odnosu na veličinu zemlje—angažman koji je iziskivao visoku cijenu u mrtvima, ranjenima i psihološki oštećenim vojnicima. Sveistrup vješto plete ovu vojnu traumu u šire ispitivanje europskih post-9/11 anksioznosti: debate o imigraciji, vjerskoj integraciji i slobodi govora koje su dominirale kontinentalnim diskursom tijekom 2000-ih. Scenarij uglavnom uspijeva povezati ove teške teme s okvirom kriminalističke misterije, stvarajući zaplet u kojem politički komentar obogaćuje, a ne zasjenjuje detektivski rad.

No ovaj naglasak na mehanici zapleta nasuprot likova dolazi s određenom cijenom. Dok je prva sezona veliki dio svoje emotivne snage crpila iz razarajućeg učinka ubojstva Nanne Birk Larsen na njezinu obitelj, druga sezona ne nudi sličan emocionalni ekvivalent. Žrtve ovdje ostaju uglavnom apstraktne, služeći zavjeri umjesto da je ukorijene. Slično tome, Lund sama je evoluirala u hladniju, analitičniju figuru, njezina opsesivna upornost sada kanalizirana kroz proceduralnu preciznost umjesto kroz neurednu emotivnu investiciju koja ju je činila tako uvjerljivom ranije. Gråbøl ostaje sjajna u svojoj ulozi, no unutarnji život lika ovaj put izgleda manje pristupačan.

Bez obzira na ove zadrške, druga sezona Forbrydelsena održava visoku produkciju i atmosferu koja je obilježila njezinog prethodnika. Skraćeni broj epizoda pokazuje se blagoslovom, čineći seriju probavljivijom za publiku dok ne žrtvuje narativnu složenost. Možda joj nedostaje razarajući emotivni udarac Birk Larsenove zapletnice, no kao politički triler umotan u odjeću policijskog procedurala, ostaje temeljito sjajan primjer televizije 21. stoljeća.

UBOJSTVO (FORBRYDELSEN)

uloge: Sofie Gråbøl, Ken Vedsegaard, Mikael Birkkjær, Nicolas Bro, Morten Suurballe, Stig Hoffmeyer

kreator: Søren Sveistrup

proizvodnja: DR, Danska, 2009.

trajanje: 10 epizoda po cca. 60 min.

OCJENA: 7/10

RECENZIJA: Crime Scene: The Vanishing at the Cecil Hotel (2021)

Facade of the Cecil Hotel with pedestrians crossing street and vehicles on road

Netflix je veliki dio svoje današnje reputacije izgradio na true crime dokumentarcima. Jedan od svježijih primjera je Crime Scene: The Vanishing at the Cecil Hotel („Mjesto zločina: Nestanak u hotelu Cecil”) iz 2021. godine. Ono što ovaj dokumentarac čini drukčijim jest gotički ugođaj koji pruža jedna od najozloglašenijih lokacija u Los Angelesu. Hotel Cecil – tužna art-deco zgrada u centru grada – koja je većim dijelom 20. stoljeća bila poprište serijskih ubojstava, samoubojstava i sličnih tragičnih događaja. Ipak, četverodijelna serija redatelja Joea Berlingera (koji figurira kao izvršni producent, kao i u druge dvije serije, uključujući Crime Scene: The Texas Killing Fields), posvećena nestanku kanadske turistice Elise Lam 2013. godine na kraju se pokazuje kao frustrirajuće narativno razvlačenje i eskploatacijski narativ, usprkos neupitno fascinantnoj prirodi misterije.

Serija se oslanja na reputaciju hotela, pretvarajući tužnu povijest zgrade u pozadinu za ono što je u biti vrlo tužan, ali prilično banalan slučaj mlade žene koju je pogodio psihotični ispad. Kada se u predposljednjoj epizodi razotkrije brutalna istina – da se Lam, koja je patila od bipolarnog poremećaja, slučajno utopila u hotelskom spremniku za vodu nakon manične epizode – publika je već bila izložena gotovo tri sata besmislenih teorija zavjere, amaterskih internetskih istraga i nagađanja o natprirodnim događajima.

Berlinger, autor koji je radio daleko bolje true crime dokumentarce, ovdje se odlučio za kvantitetu nauštrb kvalitete. Serija je neupitno predugačka; ono što bi mogao biti napet cjelovečernji dokumentarac je razvučeno na četiri epizode ispunjene ponavljajućim ustaljenim kadrovima hotela izvana i dosadnim dramatizacijama koje ne dodaju ništa. Stječe se dojam da je takva duljina manje kreativni izbor, a više posljedica pritiska streaming platforme za što više minutaže u svrhu bolje rejtinga.

Posebno je neugodan tretman “internetskih detektiva” koji su bili, a neki još jesu, opsjednuti Laminim slučajem. Serija ih u početku prikazuje kao naivne digitalne istražitelje koji otkrivaju skrivene istine, prije nego što postepeno otkriva koliko se njihova opsjednutost spiralno pretvorila u uznemiravanje nedužnih svjedoka i stvaranje neutemeljenih optužbi. No, umjesto da ponudi smislenu refleksiju o toksičnosti žanra true crime kao zabave, dokumentarac koristi isti onaj senzacionalistički pristup koji navodno osuđuje.

Seriju koliko-toliko spašava tehnička kvaliteta. Fotografija pažljivo koristi propadajuće, ali vizualno impresivne lokacije hotela Cecil. Intervjui s bivšim zaposlenicima i stanarima pružaju autentičan uvid u ekosustav hotela. Zbilja je šteta što se Berlinger nije više oslonio na taj materijal, umjesto da pribjegava tabloidnoj eksploataciji.

Crime Scene: The Vanishing at the Cecil Hotel na kraju ilustrira neke od najgorih aspekata današnjeg true crime buma: autentična intimna tragedija je razvučena izvan svake mjere, upakirana u komemoraciju dostojnu javne katastrofe, a prikazana kao cirkuska atrakcija. Usprkos autorskim pretenzijama na ozbiljnost, teško je pobjeći od neugodnog dojma da su autori profitirali od iste morbidne znatiželje koja je amaterske detektive dovela da seciraju nečiju intimnu psihijatrsku krizu. Kao i mnoge slične serije, vjerovatno bi sve moglo stati u duplo manje vremena. Ovo je propuštena prilika, a na četiri punog sata, i prilično dugačka.

OCJENA: 5/10

RECENZIJA: Grešnici (The Sinner, sezona, 1, 2017)

U eri koju se često opisuje kao Zlatno doba televizije, publika je preplavljena kriminalističkim dramama različite kvalitete. Usred te zasićenosti, 1. sezona serije Grešnici ističe se kao jedan od intrigantnijih naslova u žanru, odvajajući se nekonvencionalnim pristupom formuli “tko je to učinio”. Umjesto da postavlja pitanje *tko* je počinio zločin, serija postavlja daleko zanimljivije pitanje: *zašto*? Ova preokrenuta očekivanja, u kombinaciji s izvrsnim glumama i jezivom atmosferom, omogućuju *Grešnicima* da se istaknu u prepunom polju.

Serija je adaptacija romana Die Sünderin (Grešnica) njemačke autorice Petre Hammesfahr iz 1999. godine. Producirao ju je USA Network, a međunarodno je distribuirao Netflix. Adaptacija premješta radnju iz Njemačke u sjeverni dio države New York, što se pokazuje iznimno učinkovitim u prikazivanju potrebne osjećaja izolacije i skrivene tame. Prvotno zamišljena kao samostalna mini-serija, neočekivani kritički i komercijalni uspjeh serije potaknuo je mrežu da proširi koncept u kontinuiranu seriju.

Radnja se usredotočuje na Coru Tannetti (Jessica Biel). Cora se čini kao neupadljiva mlada majka koja vodi miran, bezbrižan život sa svojim suprugom Masonom (Christopher Abbott) i njihovim malim sinom. Tijekom običnog izleta na jezero, Cora neobjašnjivo napada i više puta ubode mladića po imenu Frankie Belmont (Eric Todd), ubijajući ga pred brojnim svjedocima. Čin je besmislen, brutalan i potpuno nekarakterističan za nju – ili se tako čini. Slučaj je dodijeljen detektivu Harryju Ambroseu (Bill Pullman). Za razliku od kolega koji vide očiti slučaj ubojstva, Ambrose postaje opsjednut razumijevanjem Corinih motiva. Njegova istraga postupno otkriva zamršenu mrežu potisnutih sjećanja, vjerskog fundamentalizma i obiteljske traume koja seže u Corino djetinjstvo. Narativna struktura koristi nelinearno pripovijedanje, a fragmentirani flashbackovi polako otkrivaju strašnu istinu o tome što se dogodilo Cori prije mnogo godina u seoskoj kući, uključujući tajanstvenog muškarca i njezinu kronično bolesnu sestru Phoebe (Nadia Alexander). Sporednu glumačku postavu čine Carrie Coon kao Vera, žena povezana s Corinom prošlošću, i Dohn Norwood kao detektiv Dan Leroy, Ambroseov pragmatični kolega koji služi kao kontrast detektivovim nekonvencionalnim metodama.

Uspjeh prve sezone potaknuo je produkciju još tri sezone, emitirane između 2018. i 2021. Svaka sljedeća sezona usvojila je antologijski format, s Ambroseom kao jedinim stalnim likom koji istražuje novi slučaj. Ovaj strukturalni pristup ima značajne sličnosti s originalnom danskom verzijom serije Ubojstvo (Forbrydelsen), koja je također bila usredotočena na jednog detektiva dok se rotira kroz različite misterije. Antologijski model omogućuje kreativnu obnovu uz zadržavanje interesa publike kroz poznatu prisutnost omiljenog protagonista. Pullmanov Ambrose – ekscentričan, proganjan i obuzet gotovo patološkom potrebom da razbije ljude koje susreće – pruža čvrstu sidrenu točku za različite iteracije serije.

Ono što Grešnike čini posebno osebujnima je njihova atomsfera. Unatoč američkom okruženju, serija posjeduje neosporno europsku senzibilnost, evocirajući tradiciju nordijskog noira. Kinematografija preferira prigušene palete i prirodno osvjetljenje, stvarajući vizualnu sumornost koja odražava psihološku tamu narativa. Tempiranje je namjerno umjereno, dajući prednost unutarnjem svijetu likova u odnosu na proceduralni zamah. Prisutan je prožimajući osjećaj egzistencijalne tjeskobe, tajni koje trule ispod naizgled mirnih površina. Okruženje malog grada, s njegovom klaustrofobičnom društvenom dinamikom i institucionalnom samozadovoljnošću, podsjeća na rad skandinavskih autora poput Henninga Mankella i Stiega Larssona. Ova transatlantska estetska fuzija rezultira nečim uistinu jedinstvenim: američkom kriminalističkom dramom koja izgleda kao da je nastala iz fjordova Norveške ili ulica Kopenhagena.

Ako serija ima slabost, ona se povremeno ogleda u oslanjanju na određene melodramatične izmišljotine. Razrješenje Corine misterije, iako emocionalno zadovoljavajuće, zahtijeva donekle velikodušno suspendiranje nevjerice u pogledu mehanike potiskivanja sjećanja i slučajnosti. Međutim, takve kritike djeluju pomalo malodušno kada se usporede s značajnim postignućima serije. Bielina izvedba – sirova, ranjiva i fizički posvećena – donijela joj je zaslužene nominacije za Emmy i Zlatni globus. Pullman, s druge strane, stvara detektiva kakvog nema na televiziji: nespretnog, seksualno nekonvencionalnog i obdarenog čudnim, klimavim integritetom koji postupno otkriva neočekivane dubine.

OCJENA: 7/10

RECENZIJA: Crime Scene: The Texas Killing Fields (2022)

Netflix je produkcijska kuća i streaming servis koji je veliki dio svoje reputacije izgradio na true crime dokumentarcima. Jedan od posljednjih projekata koji je izazvao pažnju je Crime Scene, ciklus dokumentarnih miniserija iza kojih, između ostalih, kao izvršni producent stoji i nagrađivani autor Joe Berlinger.

Godine 2022. je premijerno prikazan Crime Scene: The Texas Killing Fields, trodijelna miniserija koja predstavlja treću u nizu, i koju je režirala Jessica Dimmock. Radnja se bavi s „Teksaškim poljima smrti”, dijelu autoceste između Houstona i Galvestona koje je došlo na zao glas zbog velikog broja neriješenih ubojstava u posljednjih pedesetak i nešto godina. Serija nastoji razotkriti misterij iza niza zločina koji su desetljećima zaokupljali maštu američke javnosti, fokusirajući se na slučaj četiri mlade žene koje su bile ubijene ili nestale 1980-ih i ranih 1990-ih.

Prve dvije epizode postavljaju priču, upoznajući gledatelje sa žrtvama, svjedocima i osobama koje su na ovaj ili onaj način umiješane ili osobno pogođene sa strašnim događajima. Osobito dojmljiv je Tim Miller, otac jedne od ubijenih djevojaka, koji je desetljeća svog života posvetio traženju pravde nakon što ga je pravosudni i policijski sustav iznevjerio. Izljevi emocija, ali i odlučnost da se posveti svojoj misiji, bilo tražeći pravdu za svoju kći Lauru, bilo kao osnivač organizacije koja pruža pomoć osobama, koje su našle u sličnoj situaciji kao i on, čine neke najpamtljivijih trenutaka u seriji.

Međutim, treća epizoda potpuno kvari dojam. Posljednji dio pokušava dati gledateljima pružiti nekavu finalnu zadovoljštinu fokusirajući se na ubojicu koji je priznao neke od nepovezanih zločina, ali ovaj segment čini se brzim i nezadovoljavajućim. Narativ je prilično konfuzan, a gledatelji na kraju ostaju s više pitanja nego odgovora.

Jedna od prednosti Crime Scene: Texas Killing Fields leži u njenoj sposobnosti da izazove znatiželju putem intervjua i rekonstrukcija dramatiziranih događaja. Dimmockova upotreba arhivske građe, intervjua i povremene dramske rekonstrukcije relativno dobro gledatelje upoznaje s neriješenim ubojstvima.

Međutim, Crime Scene: Texas Killing Fields također pati i od problema s tempom. Dok neke epizode izgledaju predugo, posljednja se čini prebrza, i ostaje dojam da je Dimmock sve mogla napraviti s dvije umjesto tri epizode.

Usprkos prilike da se mračna tema, koja je, između ostalog, 2011. inspirirala igrani film Teksaška polja smrti, obradi na način koji dolikuje, Dimmock u tome nije u potpunosti uspjela. Serija je zanimljiva, ali frustrirajuća i definitivno ne izgleda dobro kada se usporedi s drugim dokumentarcima iz ciklusa Crime Scene.

OCJENA: 4/10

RETRO-RECENZIJA: Moulin Rouge! (2001)

Od svih filmskih žanrova koji se nisu mogli prilagoditi novim vremenima vjerojatno je najtežu sudbinu imao mjuzikl. Ta je filmska vrsta prilično teško prosla u prethodna dva desetljeća, obilježena dominacijom glazbenog videa – forme koja je daleko kraća, jednostavnija i jeftinija od nečega za sto nije vjerojatno da ce uspjeti gledatelje odrzati budnima u sat i pol vremena. To, svakako, ne znači da nije bilo filmaša koji su na ovaj ili onaj način taj gotovo odumrli žanr pokusali vratiti u zivot. No, njihovi rezultati (Allenov Svi kažu volim te i Brannaghov Nenagrađeni ljubavni trud) su bili uglavnom razočaravajuči. Jedini koji se mogao pohvaliti s

kakvim-takvim uspjehom bio je Alan Parker sa svojom Evitom, ali taj je film vise dugovao popularnosti Madonne nego željom publike da uziva u žanru koji joj je bio stran. No, gotovo pola desetljeća kasnije jedan mjuzikl je ponovno postao jednim od najrazvikanijih filmova godine, pa i pravi pravcati film-događaj od kojeg se mnogo očekivalo. Zasluge za to pripadaju australskom filmašu Bazu Luhrmannu, čija je bizarna adaptacija Romea i Julije vjerojatno uvjerila “Foxove” glavešine kako je on u stanju modernoj publici prodati i najstaromodniji sadržaj. Luhrmannove ambicije su bile sasvim u skladu s “Foxovim” očekivanjima

– on je smatrao kako bi boemska prica o Parizu s kraja prošlog stoljeća dobro sjela u “fin-de- siecle” atmosferi pred novi milenij. Na žalost, niz nesretnih okolnosti (smrt Luhrmannovog oca, razvod glavne glumice Nicole Kidman) i stalno prekoračenje budžeta su uzrokovali da Moulin Rouge! bude dovršen gotovo godinu i pol dana nakon što je bilo planirano. Na kraju je kritika bila oduševljena, ali ne i publika koja je Luhrmannovom spektakularnom mjuziklu uglavnom okrenula leđa.

Radnja filma se događa u Parizu 1899. godine, točnije u boemskoj četvrti Montmartre gdje mladi i siromašpni Englez Christian (McGregor) pokušava ostvariti svoju veliku ambiciju da napiše veliko djelo o “istini, ljepoti, slobodi i ljubavi”. Stjecajem okolnosti Christian će se upoznati sa skupinom boemskih umjetnika na čelu s Toulouse-Lautrecom (Leguizamo), kojima bi Christianov spisateljski talent dobro došao za veliki projekt – predstavu “Spectacular

Spectacular” koju namjeravaju “utrapiti” Harryju Zidleru (Broadbent), kazališnom impresariju i vlasniku “Moulin Rougea”, kabarea koji predstavlja najpopularnije mjesto za noćni izlazak u Parizu. Ono što boemi ne znaju jest da je “Moulin Rouge” u financijskim problemima, te da bi Zidleru dobro došla injekcija od strane moćnog vojvode od Monrotha (Roxburgh). Da bi odobrovoljio vojvodu, Zidler mu misli “namjestiti” svoju glavnu zvijezdu – kurtizanu Satine (Kidman). No, stjecajem okolnosti doći će do zabune i Satine će mladog Christiana zamijeniti za vojvodu. Taj nesporazum će rezultirati time da se Christian i Satine smrtno zaljube jedno u drugo, ali njihova profesionalna i romantična veza će biti pod sjenom vojvode kao i strašne tajne koja prijeti zauvijek upropastiti njihovu srecu.

Moulin Rouge! već na samom početku uspijeva u onome što je bilo nezamislivo za bilo koji holivudski film u posljednjih par desetljeća – da publiku ostavi otvorenih usta. Odmah nakon prilično nekonvencionalne špice Luhrmann jasno daje do znanja da će njegov prikaz Pariza s kraja 19. stoljeća (u potpunosti rekonstruiranog u australskim studijima) biti prožet stilom koji je obiljezio *Romea i Juliju* – videospotovskom tehnikom dovedenom do savršenstva, kao i vještim korištenjem vrhunske scenografije, kostimografije i specijalnih efekata koji se pretvaraju u vatromet zvukova i boja koji će impresionirati i najindiferentnijeg gledatelja. To prije svega dolazi do izražaja u glazbenim brojevima koji su vjerojatno jedni od najbolje postavljenih u cijeloj povijesti scenske umjetnosti. Osim što Luhrmann koristi “otkacene” montažne i vizualne tehnike, gledatelja će najviše iznenaditi to sto se ti brojevi oslanjaju na glazbu 20. stoljeća, pri čemu se vjesto kombiniraju razliciti izvori – od Nat King Colea do “Nirvane”. Taj zabavni anakronizam samo pomaze uspostavljanju nadrealne atmosfere koja ce prožimati cijeli film. No, ono sto će isto tako iznenaditi jest i činjenica da se u glazbenim brojevima Luhrmann koristi vokalnim mogućnostima svojih glumaca, pa tako imamo priliku ne samo vidjeti Nicole Kidman u jednom od njenih najglamuroznijih izdanja, nego i čuti kako su njene pjevačke mogućnosti sasvim dostojne njenog božanskog izgleda.

Gledatelji koji su uzlozeni ovoj, na trenutke bezobzirnoj, demonstraciji manipulativne moći slike i zvuka možda neće obratiti pažnju da cijelu tu konstrukciju skupa drži prilično slabašan zaplet koji se svodi na niz vec stotinu i vise godina prežvakanih klišeja (siromašni umjetnik, kurtizana sa zlatnim srcem itd.), kao i da su likovi svedeni na arhetipove. To samo po sebi i nije tako važno, s obzirom da Luhrmann ne krije da mu je ovdje bitnija forma od sadržaja, ali Moulin Rouge! ipak pred kraj postaje pomalo razvučen i ti nedostaci dolaze do izražaja, završnica možda i neće imati katartički učinak na modernu i ciničnu publiku. No, s druge strane, iako Moulin Rouge! nije onakvo remek-djelo kakvim je trebao biti, izvrsna glumačka

ekipa (među kojima se ističe Jim Broadbent čija će izvedba redefinirati Madonnin “Like A Virgin” isto onako kao sto je to svojevremeno učinio Tarantino u Psima iz rezervoara) i izvrsna glazba garantiraju da je riječ o nadasve ugodnom doživljaju koji će današnjim

gledateljima ostati u dugom i prijatnom sjecanju.

OCJENA: 7/10

uloge: Nicole Kidman, Ewan McGregor, John Leguizamo, Jim Broadbent,
Richard Roxburgh, Gary McDonald, Jacek Koman, Matthew Whittet, Kerry
Walker, Caroline O’Connor, David Wenham, Christine Anu, Kylie Minogue
scenografija: Catherine Martin
kostimografija: Catherine Martin & Angus Strathie
fotografija: Donald McAlpine
montaza: Jill Billcock
glazba: Craig Armstrong, Marius De Vries & Steve Hitchcock
scenarij: Baz Luhrmann & Craig Pearce
rezija: Baz Luhrmann
proizvodnja: 20th Century Fox/Bazmark Films, SAD/Australija, 2001.
distribucija: Continental
trajanje: 127′

NAPOMENA: Ovo je moja recenzija originalno objavljena u Usenet grupi hr.rec.film 1. studenog 2001. Ovdje objavljena verzija sadrži sitnije korekcije.

RECENZIJA: Ubojstvo (Forbrydelsen, sezona 1, 2007)

Kako vrijeme odmiče, tako se, bez pretjerane nostalgije, može reći da smo donedavno živjeli u razdoblju koje će biti upamćeno kao Zlatno doba igrane televizije. Kao njegov početak bi se mogla uzeti 2007. godina kada se na programu kanala AMC počela prikazivati TV-serija Mad Men (Momci s Madisona), a koju je nedugo potom slijedila Breaking Bad (Na putu prema dolje). Te su serije velikim dijelom zaslužne za razbijanje monopola koji su dotada BBC i HBO imali na kvalitetan televizijski program. Fenomen je imao daleko širi aspekt, jer je iste godine premijerno prikazana i danska kriminalistička TV-serija Forbrydelsen (kod nas prikazana pod naslovom Ubojstvo), koja je velikim dijelom pomogla razbijanju monopola na globalne popularne dramske TV-serije koje su dotada imale zemlje engleskog govornog područja. Veliki međunarodni uspjeh koji je serija potvrdila prilikom prikazivanja na BBC-u 2011. godine je u mnogo čemu potakao stvaranje sličnih serija u drugim skandinavskim, odnosno europskim, državama, pogotovo onima koje su preuzele sadržaj i stilske značajke koje će postati poznate kao „Nordic Noir”.

Protagonistica serije je Sarah Lund (Sofie Gråbøl), policijska inspektorica iz Kopenhagena koja se upravo sprema okončati karijeru kako bi se preselila u Švedsku i započela novi život sa svojim dečkom. Prije nego što se to dogodi, prisiljena je istražiti nestanak djevojke po imenu Nanna Birk Larsen. Nakon što je pronađeno njeno truplo, istraga se intenzivira i dotiče ambicioznog lokalnog političara po imenu Troels Hartmann (Lars Mikkelsen). Kako vrijeme prolazi, tako Sarah otkriva nove dokaze, ali još uvijek nije blizu otkrivanju počinitelja i opsjednutost poslom počinje utjecati na njen odnos s obitelji. U međuvremenu, nezadovoljan napretkom istrage, Theis Birk Larsen (Bjarne Henriksen), otac ubijene djevojke, odlučuje potražiti ubojicu sam i uzeti pravdu u svoje ruke.

Kao i kod većine „Nordic Noir” serija, Ubojstvo se odlikuje mračnom i depresivnom atmosferom na koju prilično utječu hladni i sivi eksterijeri Kopenhagena. Isto se može reći i za mračni sadržaj. Serija započinje s ubojstvom mlade djevojke koje nije prikazano na eksplicitan način, ali zato neugodu izaziva detaljan prikaz psiholoških posljedica na njenu obitelj i prijatelje. Ni protagonistica ne prolazi bolje, iako je Sarah Lund prikazana kao emocionalno hladna radoholičarka koja, pod krinkom profesionalizma, drži distancu prema svojim kolegama, a na kraju i prema svojoj obitelji. S obzirom da je kriminalistički slučaj prilično složen i da Lund mora istraživati cijeli veliki broj tragova i ispitivati brojne sumnjivce, to je prilika da se komentira opće stanje u danskom društvu, prije svega korupcija u lokalnoj politici, seksualno iskorištavanje mladih i odnos prema imigrantima.

Sadržaj serije, međutim, nije toliko originalan koliko narativni format koji je stvorio njen autor Søren Sveistrup. Prva sezona se sastoji od dvadeset epizoda, od kojih svaka ima radnju koja se događa tokom 24 sata i koja svaki put (osim, dakako, na kraju) završava s cliffhangerom. Taj postupak, s jedne strane, garantira da će gledatelji biti prikovani za ekran, ali s druge strane, tjera autora da često namjerno skreće njihovu pažnju na pogrešne indicije o mogućem počinitelju, ponekad i na štetu uvjerljivosti radnje. No, zahvaljujući sjajnom stilu i izuzetnoj kvaliteti produkcije, Ubojstvo nikada ne počinje sličiti na sapunjaču. Veliki doprinos tome je dala i sjajna glazba Fransa Baka, ali još više izvrsna glumačka postava, sastavljena od brojnih glumaca koji su se već bili nametnuli u mnogim zanimljivim djelima danske kinematografije 1990-ih i 2000-ih. Sofie Gråbøl, koja je zahvaljujući nošenju džempera, postala svojevrsna modna ikona, je vrhunski odglumila lik Sarah Lund, učinivši ga simpatičnim publici iako to ne bi sugerirao njen hladni i profesionalni pristup istrazi.

Ubojstvo je postiglo izuzetan uspjeh, te su prvu sezonu slijedili nastavci – druga sezona, emitirana 2010. godine, te treća sezona, emitirana 2012. godine. U međuvremenu su snimljeni remakeovi u Turskoj i Egiptu, te u SAD gdje su pod naslovom The Killing s Mireille Enos producirane četiri sezone od 2011. do 2014. godine.

UBOJSTVO

(FORBRYDELSEN)

uloge: Sofie Gråbøl, Søren Malling, Lars Mikkelsen, Troels II Munk, Morten Suurballe, Bent Mejding, Farshad Kholgi, Marie Askehave, Bjarne Henriksen

kreator:Søren Sveistrup

proizvodnja: DR, Danska, 2007.

trajanje: 20 epizoda po cca. 60 min.

OCJENA: 8/10

RECENZIJA: The Witcher: Blood Origin (2022)

„Vidjela žaba kako se konj potkiva pa i ona digla nogu.” Ovom bi se poslovicom najbolje mogla opisati odluka streaming servisa Netflix da, prije nego što je njegov fantasy serijal The Witcher došao kraju, isti dobije prednastavak. Za to su poticaj očigledno dali suparnički servisi HBO i Amazon Prime, koji su također lansirali ambiciozne i izuzetno skupe prednastavke temeljene na popularnim fantasy serijalima – u slučaju HBO to je bila Zmajeva kuća, koja predstavlja prednastavak Igre prijestolja, dok je Amazon Prime planira, prema nekim procjenama, utući milijardu dolara na Rings of Power, seriju čija se radnja događa u svijetu Tolkienovog Gospodara prstenova tisućljećima prije događaja prikazanih u romanima i Jacksonovim filmovima. U usporedbi s tim projektima, Netflixov projekt The Witcher: Blood Origin izgleda prilično skroman, jer je riječ o relativno kratkoj četverodijelnoj mini-seriji.

Serija započinje prologom smještenim u doba kada se odvija radnja „pravog” Witchera. Putujući bard Jaskier (Joey Batey) se našao usred oružanog sukoba iz koga ga spašava čarobnica Seanchai (Minnie Driver) koja mu potom kazuje priču o tome kako je došlo do „konjukcije sfera” i kako je stvoren svijet u kojem obitavaju on, Vještac i svi redovni likovi serije. Radnja se potom premješta 1200 godina u prošlost kada na području kasnije poznatom kao Kontinent nije bilo ljudi, te su tamo živjeli patuljci i vilenjaci. Potonji su podijeljeni u tri kraljevstva – Xin’trea, Pryshia i Darwen – koja tisuću godina vode iscrpljujući rat. Kralj Alvithir od Xin’tree (Mark Rowley) je, međutim, konačno uspio postići mirovni sporazum koji će se potvrditi kad se njegova sestra Merwyn (Mirren Mack) uda za kralja Mydira od Prishije. Ona, međutim, nije sretna zbog toga što će u povijest ući kao fusnota te zajedno s xin’treanskim glavnim čarobnjakom Balorom (Lenny Henry) izvede spektakularni puč u kome su uz pomoć čudovišta dovedenih iz drugih svjetova likvidirani ne samo njen brat, nego i dva druga monarha. Merwyn se proglašava caricom, ali je u stvarnosti tek Balorova marioneta. Nešto kasnije se u Eile (Sophia Brown), žena-bard i bivša ratnica u jednoj udaljenoj krčmi sretne s Fjallom (Laurence O’Fuarain) ratnikom iz suparničkog klana. S njime sklapa savez kada se ispostavi da su oboje meta ubojica koje je poslao Balor u nastojanju da likvidira sve veterane koji bi mogli ugroziti bivši režim. Njih dvoje se udruže i kreću u pohod protiv novostvorenog Zlatnog Carstva kojem će se pridružiti učiteljica mačevanja Scian (Michelle Yeoh), orijaški Callan (Huw Novelli), čarobnica Zacare (Lizzie Annis), čarobnjak Syndril (Zach Wyatt) i žena-patuljak Medlof (Francesa Mills).

S radnjom smještenom u daleku prošlost, koja je tek natuknuta u pričama i romanima Andrzeja Sapkowskog i popularnim igrama, *Blood Origin* je dao producentima Declanu De Barri i Lauren Schmidt Hissrich daleko više kreativne slobode. Lauren Schmidt Hissrich je vjerojatno bila sretna što se više ne mora svađati s glavnim glumcem Henryjem Cavillom, koji je kao veliki fan Witchera stalno zanovijetao što se scenarij odmiče od originala. *Blood Origin* je tako stvorio vlastiti svijet, što je bila velika prilika, ali i rizik da se Witcher upropasti isto onako kao što je Lucas prednastavcima torpedirao vlastito djelo u Ratovima zvijezda. Strahovi su se, na žalost, pokazali više nego opravdanima. Kreativni tim je bio orijentiran na „woke” sadržaje i imperativ da likovi budu što raznovrsniji po pitanju rase, spola i seksualne orijentacije. U tome se išlo gotovo do samoparodijske razine, ali je daleko veći problem potpuni nedostatak mašte i inspiracije kada se trebalo izgraditi drevni vilenjački svijet i objasniti kakve veze s ima s Kontinentom u doba Vješca. Iako su gotovo svi likovi u seriji vilenjaci, gotovo ih je nemoguće razlikovati od ljudi, odnosno vilenjaci, koji bi trebali biti drevna, mudra i prosvijećena rasa superiorna ljudima, izgledaju isto onako disfunkcionalno ako ne i više nego krvoločni likovi u Igri prijestolja. I, što je još gore, većina likova se ponašaju kao idioti, ili su loše napisani i postavljeni. Veliki ratnik Fjall tako prije izgleda kao nasilni Viking ili možda čak ork, nego kao vilenjak. Lik Merwyn je još problematičniji, i tu nema pomoći čak ni od škotske glumice Mirren Mack s njenim egzotičnim izgledom. Lik Eile, koji tumači Sophia Brown, je antipatičan čemu pridonosi jako loš izbor pjesama za koje je malo vjerojatno da bi ikome, čak i u tako drevna vremena, omogućili izvor prihoda. Usporedbe s Gospodarom prstenova čine Blood Origin bijednom i jeftinom kopijom, a još gore kada se ova miniserija usporedi s Igrom prijestolja. Umjesto složenih intriga i kompleksnih likova gledatelji će biti prisiljeni gledati hodajuće klišeje, uz pokušaj da se drevno vilenjačko društvo opiše kao oličenje klasnih razlika i represije, ali s daleko manje uvjerljivosti nego ljudski svijet Igre prijestolja. Stječe se dojam da je Blood Origin napravljen na brzinu, s relativno niskim budžetom i ono što bi trebao biti fascinatni set vilenjačke Xin’tree izgleda kao nešto što se može vidjeti u epizodama Zvjezdanih staza: Nove generacije. Iako u seriji ima nekoliko relativno dobrih akcijskih scena, to nije dovoljno da se ikome, pa čak ni najzagriženijim fanovima Witchera, preporuči ovo četverosatno gubljenje vremena.

OCJENA: 2/10

RECENZIJA: The Witcher (sezona 2, 2021)

Kod većine televizijskih serija koje uspiju preživjeti prvu sezonu je pravi trenutak kada se vidi hoće li ona doživjeti uspjeh ili ne u drugoj sezoni. Čak i one serije koje se dokažu svojom kvalitetom obično izgledaju lošije u prvoj sezoni, najčešće zbog toga što njihovi autori pokušavaju pohvatati konce i uspostaviti pravu formulu koja bi se trebala koristiti do kraja. U tome se, čini se, nije izuzetak ni The Witcher, jedna od najambicioznijih Netflixovih serija koja je prije nešto više od tri godine trebala za tu mrežu postići ono što je za HBO bila postigla Igra prijestolja.

Zaplet se i dalje temelji na pričama i romanima poljskog pisca Andrzeja Sapkowskog smještenim u fantastični svijet Kontinenta gdje ljudi koegzistiraju sa vilenjacima, patuljcima i sličnim stvorenjima, ali i čudovištima za čije se uklanjanje brine protagonist Geralt od Rivije (Henry Cavill), „vještac” koji je zahvaljujući mutaciji stekao moći nužne za taj zadatak. Druga sezona se uglavnom temelji na romanu Vilenjačka krv, za razliku od prethodne koja je temeljila na zbirkama priča Posljednja želja i Mač sudbine. Radnja započinje neposredno nakon događaja opisanih u prvoj sezoni, odnosno trenutka kada je Geralt sreo Cirillu od Cintre (Freya Allen), mladu princezu čiji je rodni grad osvojio imperator Nilfgaarda i koja je nakon toga morala bježati. Geralt je za nju sudbinski vezan te ju odlučuje zaštititi i kao najbolja opcija za to se čini dolazak u Kaer Morhen, drevnu utvrdu koja služi kao sjedište „vještaca” koje vodi Geraltov mentor Vesemir (Kim Bodnia). Tamo će „Ciri” odlučiti da i sama postane „vještac” te se podvrći intenzivnoj, napornoj i po život opasnoj obuci. U međuvremenu se za princezu, u čijim venama teče drevna vilenjačka krv, počne zanimati čarobnica Yennefer od Vengeberga (Anya Chalotra), drugi čarobnjaci, suparničke države i njihovi vladari, vilenjaci, ali i neka od natprirodnih stvorenja koje ne pripadaju Kontinentu.

Prva stvar koja upada u oči kod druge sezone jest to da je ona manje spektakularna od prve. To je djelomično posljedica problema koje je za vrijeme produkcije izazvala pandemija COVID-19, ali se razlog daleko više može pronaći u tome što je zaplet mnogo čvršći i konkretniji. Kontinent i ostatak univerzuma iz knjiga Sapkowskog je već bio prikazan i objašnjen, pa se ovdje scenaristi mogu više usredotočiti na likove i njihovu interakciju. To, s druge strane, znači da se glumačka postava mora daleko više truditi. To uključuje Henryja Cavilla, glumca poznatog po tome što je prije angažmana bio strastveni poklonik video-igara temeljenih na djelu Sapkowksog. Uloga Geralta mu, naravno, stoji kao sašivena ali je u drugoj sezoni, za razliku od prve gdje je bio cinični plaćenik, njegov lik nešto kompleksniji pa čak i malo ranjiviji. Freya Allen, koja svojim stasom savršeno odgovara naizgled ranjivom liku Ciri, je ovdje pak dobila priliku da se iskaže u scenama koje zahtijevaju fizički napor. The Witcher, kao i u prvoj sezoni, sadrži scene prilično eksplicitnog nasilja, lošeg rječnika i golotinje, ali, romantičnih scena u usporedbi s prvom sezonom nema, i to navodno zbog toga što je na tome inzistirao Cavill (koji je, navodno zbog svađe s producenticom, morao odustati od nastupa u četvrtoj sezoni). Još jedna bitna razlika u odnosu na prvu sezonu je što više nema potrebe za ne-linarnom naracijom koja je u prethodnoj sezoni znala zbunjivati gledatelje. Ovdje su stvari mnogo jasnije i iako se The Witcher čini malo konvencionalnijim, zadržao je razinu kvalitete u novoj sezoni te se budućnost serije, bez obzira na riskantne kadrovske poteze, čini svijetlom.

OCJENA: 7/10